El planeta Arrakis es un vasto mundo desértico de horizontes infinitos y belleza desoladora. Para capturar la visión singular de Villeneuve, sus equipos creativos —liderados por el director de fotografía Greig Fraser y el diseñador de producción Patrice Vermette— trabajaron para capturar en cámara tanto como fuera posible. Eso significó renunciar a una pantalla verde y crear en la Tierra la Duna ideal para el director, en los estudios de sonido y el backlot de Origo Studios en Budapest, Hungría, y en locaciones en Jordania, con aproximadamente una semana en Abu Dhabi antes de terminar las grabaciones.

Los escenarios de sonido de la capital húngara se han utilizado muchas veces antes, pero posiblemente nunca en una producción tan ambiciosa. Joe Caracciolo Jr. dice: “La escala de la película es tremenda. Tenía bastante curiosidad por saber cómo íbamos a lograrlo, pero la forma en que Patrice y Denis trabajaron juntos para crear el estilo y cómo Greig —que es uno de los directores de fotografía más adaptables con los que he trabajado— lo filmó todo, fue fascinante”.

Aunque nunca habían trabajado juntos antes, Denis y Greig se habían conocido años atrás a través del director de fotografía Roger Deakins. Fraser recuerda: “Tuvimos una charla fantástica, y luego me di cuenta de que él había hecho algunas de mis películas favoritas hasta ese momento y me quedé muy impresionado. Pero Denis es un personaje tan cálido y acogedor que es fácil hablar con él. Unos años más tarde, tuve la oportunidad de trabajar con su diseñador, Patrice, y congeniamos. Es franco y apasionado por su trabajo y nos llevamos muy bien. Por supuesto, estaba muy emocionado con la posibilidad de participar”.

“Cuando decidí hacer ‘Duna’, una de las primeras personas a las que me acerqué fue Greig Fraser”, afirma el director. “Soy un gran admirador de su trabajo —lo que hizo en ‘Zero Dark Thirty’ y ‘Mary Magdalene’, por ejemplo. Tiene una forma segura y poderosa de utilizar la naturaleza a su favor. Abrazar la naturaleza y construir cine a través de su estructura es algo que era muy importante para mí en esta película. Sensibilidad naturalista, realismo. Quería que la luz tuviera esa calidad y sabía que Greig era quien podía aportar eso a la película”.

Villeneuve y Fraser formaron rápidamente una estrecha asociación cuando comenzaron a colaborar en “Duna”. El director afirma: “Una de las cosas que decidimos primero fue que usaríamos el formato IMAX para secciones enteras de la película, como las visiones de Paul, los sueños y las secuencias del desierto. El resto lo filmaríamos en formato 2:35. Para mantener el impacto visual del IMAX en las audiencias, también era beneficioso alejarse de él de vez en cuando. También decidimos que las escenas del desierto se filmarían con una cámara de mano, pero el resto del mundo sería más como cuadros, así que esa es la forma en que lo abordamos”.

Fraser confirma, detallando: “Queríamos intentar crear esa sensación de severidad de la que Denis habló ampliamente. En primer lugar, dijo: ‘Cuando sueño con esta película, sueño con ella en 4:3’. Ese es un formato de pantalla grande, así que seguimos ese camino y planteamos la idea de 2:35 contra 4:3 contra IMAX y cómo podrían desarrollarse. Después de que intercambiamos esas ideas, llegamos a un consenso general.

“Desde la perspectiva del color”, continúa, “probamos varias ideas. Denis quería que Arrakis fuera hostil y desolado, hosco para los forasteros. Entonces, tratamos de nunca hacer el cielo azul. Hay muchas fotografías del desierto donde la arena es amarilla y el cielo azul, y nos alejamos de eso y optamos por arena descolorida y cielo blanco”.

Fraser dice que también tuvieron extensas conversaciones iniciales sobre filmar digitalmente o en película. “La película es un formato hermoso con una calidad innegable que es impresionante, es analógico y tiene cierta humanidad y calidez”, relata. “Pero, en este caso, sentíamos que filmar con Alexa nos daba la calidez y la humanidad que requería la historia, pero sin la nostalgia que se obtiene con la película”.

Sin embargo, Fraser dice que se arriesgó un poco. “Luego hicimos otra técnica en la que transferimos a película lo digital, es decir, una vez que se editó la película, Fotokem, nuestro laboratorio, la convirtió y se creó un negativo. Luego volvieron a escanear el negativo, por lo que la película, que todo el mundo ve, ha pasado por un proceso analógico. Es una técnica con la que llevaba tiempo jugando, pero en realidad no la había aplicado antes a un largometraje”.

“Greig es uno de los mejores directores de fotografía trabajando”, afirma Mary Parent. “No hay duda al respecto, es increíble. La forma en que filmó la película, la luz y los detalles... Es muy tangible y emocionalmente conmovedora y visceral, pero al mismo tiempo nunca sientes los movimientos de cámara; nada está cohibido, todo está al servicio de la narración y los personajes y, en este caso, de la propia Duna.

“Y lo que Patrice construyó en Budapest fue como el viejo Hollywood”, continúa. “Ese tamaño de sets ya casi no existe, todo son extensiones generadas por computadora, pero para esta película todo se redujo a la visión de Denis de hacer todo real y no depender de las imágenes generadas por computadora. Así que construimos a una escala mucho mayor que la mayoría de las películas modernas que se están haciendo actualmente”.

Entre los sets construidos en Origo Studios estuvieron los interiores del planeta Caladan, donde comienza la película. Estos incluyeron la vasta biblioteca donde Lady Jessica y la Reverenda Madre Mohiam discuten el futuro de Paul y la residencia donde vive la familia Atreides. También construyeron el baño de vapor en Geidi Prime, donde está el barón Harkonnen cuando lo vemos por primera vez. Algunas escenas exteriores, incluido el aterrizaje del ornitóptero en Arrakis, también se filmaron en el backlot allí. Un equipo de unas mil personas formó el equipo de expertos. 

Vermette, cuyas colaboraciones con Villeneuve incluyen ‘Enemy’, ‘Prisoners’, ‘Sicario’ y ‘Arrival’, dice que trabajar en la película fue un sueño hecho realidad. “No hacemos este tipo de películas en el Canadá francés”, comenta, “¡por lo que ser invitado a trabajar en una película como esta está más allá de cualquier sueño que pueda tener un niño de 50 años! Estoy muy agradecido”.

“Mi objetivo era abordar el diseño con humildad para que los fanáticos más dedicados y acérrimos de Duna reconozcan las descripciones de Frank Herbert, la forma en que representa o describe todo —objetos, muebles, habitaciones, edificios, la arquitectura, la iluminación”, expresa Villeneuve. “Quería que todo fuera lo más cercano posible al espíritu del libro y que estuviera inspirado en la naturaleza: la luz, el viento, la sensación del polvo. Duna es un mundo monumental que no se parece en nada a lo que conocemos y, por supuesto, confié en Patrice para que me ayudara a realizarlo”.

Vermette leyó el guion e inmediatamente tuvo una visión de cómo se vería la película. “De repente me vinieron a la mente imágenes, pues el guion estaba muy bien escrito y dejaba mucho a la imaginación”, dice.

El diseñador comenzó recopilando imágenes para un panel de tendencias, que iban desde fotografías de países tan diversos como Egipto y Noruega, hasta arquitectura que admira, e incluso imágenes de las guerras de Afganistán y el Golfo.  

El panel se integró en su libro de ilustraciones, que eventualmente incluyó imágenes de cada set, accesorio y vestuario; luego se distribuyó a todos los departamentos. “Es muy importante para mí que todos estemos en la misma página”, comenta, “así, si alguien pregunta: ‘¿Qué se supone que es esto?’, la respuesta siempre es: ‘Está en el libro’. Está muy detallado”.

Vermette diseñó la paleta de colores de Caladan para ser principalmente verdes, grises y azules brumosos otoñales, dando la impresión de lluvia y humedad constantes. El castillo Caladan está construido en una montaña que representa la completa sincronicidad de la Casa Atreides con la naturaleza. Esos tonos jaspeados dan paso a los marrones, ocres y rojos áridos cuando la historia se traslada a Arrakis. Por otra parte, Giedi Prime es un lugar de materia plástica industrial.

Vermette diseñó el mundo para dar una sensación de poder abrumador: los sets son enormes, se ciernen oscuramente sobre los actores, y las paredes y suelos de piedra maciza forman un fondo severo y duro para la vida de los personajes. Afortunadamente, los cavernosos escenarios de sonido en Origo eran lo suficientemente grandes como para acomodar las enormes construcciones de Vermette.

El decorador de sets Richard Roberts estaba dispuesto a asegurarse de que la decoración interior creara una atmósfera en lugar de destacarse como una distracción. “La audiencia no debería estar mirando muebles individuales; la decoración debería crear un mundo en el que se pierdan”, dice. 

El mobiliario es muy espartano. Todo se hizo por encargo, desde los muebles y las lámparas hasta el estandarte y las alfombras, que se hicieron en Dinamarca y, al igual que los demás accesorios, se envejecieron para parecer gastados. 

“Siempre es divertido intentar meter una alfombra, cortinas y un cojín en este tipo de película”, dice Roberts. “Nunca había hecho alfombras de este tamaño ni nada remotamente parecido. Fue brillante”.

Uno de los diseños más ambiciosos que Vermette creó fueron los ornitópteros, los enormes vehículos voladores alados que adornan los cielos de ‘Duna’. Trabajando con el artista conceptual George Hull y el director de arte del ornitóptero, David Doran, Vermette ideó un diseño. 

“El ornitóptero es una nave que vuela como un ave”, explica Vermette. “Tiene alas, que aletea muy rápido, como un colibrí o una libélula. La envergadura es de 39 metros y mide 23 metros de largo. Mis referencias fueron pájaros, insectos y helicópteros. El diseño cambió cuando comenzamos a diseñar el mundo de la película, que es muy angular y brutalista. Tenían que ser creíbles, eso era esencial para la narración del mundo de la película. Fue toda una hazaña de ingeniería crear una máquina que fuera adecuada para su propósito. BGI, una empresa de fabricación de utilería en Londres, los construyó y nos los entregaron en Jordania”.

El transporte de los dos ornitópteros —uno grande de 23 metros y otro más pequeño de 15 metros— fue un desafío logístico. Vermette insistió en que viajaran en una sola pieza para evitar tener que volver a armarlos en el set. Eso también habría debilitado la estructura de los ornitópteros, que debían ser levantados con grúas, con actores o dobles en el interior.

La producción contrató un avión Antonov, uno de los aviones de transporte más grandes disponibles, en el que se abre la nariz para transportar las piezas. De ahí, fueron transportados a los sets. Una vez allí, las máquinas, con un total de diez y dos toneladas, respectivamente, fueron movidas por grúas y armadas en plataformas rodantes especialmente diseñadas para las escenas de vuelo. 

Al mismo tiempo, en los estudios Origo, se construyeron dos versiones de las cabinas de los ornitópteros: un modelo fue izado sobre un cardán en un escenario; el otro fue colocado en una plataforma de cardán en la cima de una colina en Fót, a las afueras de Budapest.

El equipo pasó unas cuatro semanas en Wadi Rum en Jordania. Controlado y protegido por los diferentes grupos beduinos que viven ahí, Wadi Rum, también conocido como Valle de la Luna, es un paisaje de otro mundo tallado en roca de granito y arenisca al sur de Jordania. Este proporcionó las impresionantes locaciones para algunos de los exteriores de Arrakis, así como algunos de los efectos visuales y tomas aéreas de helicópteros.  

Villeneuve ya había filmado películas en Jordania y era muy consciente de los tesoros que ofrece. “Recuerdo que me enamoré de la gente de Jordania y del paisaje, que es maravilloso”, rememora. “Es muy impresionante cómo cada 40 kilómetros tienes un paisaje totalmente diferente. Tienes tantos tipos distintos de desiertos como podrías desar. Recuerdo que la primera vez que estuve ahí pensé que si alguna vez hacía una película como ‘Duna’, allí sería donde la filmaría. Hay algo sobre la iluminación, algo sobre el alma del país que creo que capturamos con la cámara. No he encontrado ese mismo tipo de emoción en ningún otro lugar. Hay algo bastante dramático en esos paisajes que los hacía realmente adecuados para ‘Duna’”.

Las espectaculares vistas no son la única razón por la que Jordania es un lugar tan bueno para los cineastas. “Hay gente muy experimentada para la exploración y gestión de locaciones”, dice Villeneuve. “La organización y la gestión que tuvimos fue fantástica: todas las carreteras del desierto estaban trazadas, todo es de vanguardia. Los jordanos fueron muy generosos: éramos unas 800 personas, así que no era una película pequeña, pero nuevamente tuve la misma sensación de hacer una película con amigos. Volver diez años después de hacer ‘Incendies’ y trabajar con algunos miembros del mismo equipo que se han vuelto cada vez más experimentados fue muy conmovedor para mí”.

Una de las otras locaciones principales fue un área conocida localmente como Dunas Militares, en la frontera entre Jordania e Israel; los militares la usan para ejercicios, pero era inaccesible al público... hasta ahora. La producción de ‘Duna’ fue la primera a la que se le permitió filmar allí y las razones son claras, aunque las ventajas vinieron con algunas desventajas sorprendentes. “Es arena absolutamente virgen”, dice el gerente de locación supervisor Nick Oliver. “Nadie ha caminado sobre ella. Las dunas se erosionan a través del desierto y cambian constantemente. Eso es asombroso, visualmente, ¡pero fue exactamente lo que hizo que averiguar dónde íbamos a filmar fuera tan complicado! De repente, las dunas habían cambiado según el viento y el paisaje se modificaba constantemente”.

Las escenas filmadas en el área eran algunas de las escenas de acción más importantes de la película, incluida la secuencia crítica de la Cosechadora de Especia, que requería el vehículo cosechador, descrito por George Hull como la mezcla de un alto horno y un escarabajo del desierto.

Dependía de Oliver asegurarse de que, dondequiera que se instalara el equipo, la arena fuera perfecta para la filmación. “Con un equipo de alrededor de 400 personas moviéndose, tuvimos que cerrar grandes áreas para limitar las huellas. Por supuesto, trabajando junto con el equipo de live-action, estaba el equipo ambiental, barriendo las huellas y asegurándose de que todo lo que no queríamos que apareciera en la película, como plantas y otra vegetación, se ocultara debajo de rocas falsas”.

Antes de que el equipo técnico llegara, Oliver y su equipo tuvieron que construir un campamento base en el área para las cuatro semanas que filmaron ahí. “No hay infraestructura en esa parte de Jordania, solo arena”, dice. “Se necesitaron alrededor de seis semanas y aproximadamente 200 trabajadores para establecer el campamento base y asegurarnos de que todo lo que necesitábamos estuviera allí. Creamos una enorme infraestructura: cabinas portátiles, una red de comunicación móvil y en la unidad principal, y construimos cabinas para el elenco en lugar de llevar remolques. Y teníamos compresores para limpiar la arena de los equipos y aparatos electrónicos. Tan pronto como terminábamos en un lugar, nos movíamos a la siguiente unidad y teníamos que comenzar de nuevo”.

El equipo técnico enfrentó numerosos desafíos logísticos, incluido el traslado del modelo gigante de ornitóptero a la locación. Oliver y su equipo tuvieron que construir un camino por el desierto para permitir que los camiones de seis ruedas transportaran la pieza. Para lograr una escena en la que Duncan Idaho cae por el cielo y sobre las rocas debajo, se necesitaba mucho trabajo de alambres, por lo que se empleó una grúa de 300 toneladas para sostener la plataforma y asegurar que saliera conforme lo planeado. Y una de las otras locaciones, la cuenca rocosa de Wadi Rum, proporcionó más obstáculos para el equipo debido a la composición de la roca, que es muy blanda y las formaciones rocosas están protegidas, por lo que está prohibido perforar. El equipo trajo especialistas de Amán, quienes encontraron los lugares donde podían colocar un crampón en la roca que fuera lo suficientemente fuerte como para sujetar a los dobles con cables sin dañar la roca.

Cale Boyter dice que el equipo trabajó duro para dar vida a la interpretación de Villeneuve del paisaje de Herbert, pero también para evitar el tradicional aspecto posapocalíptico. “La película es una fusión de muchas cosas diferentes”, dice el productor. “Existe el feudalismo y la fantasía, y lo que Denis trató de hacer, desde una perspectiva de diseño, fue separar todo lo demás y darle al público una especie híbrido completamente único”.

Diseño de Vestuario / Peinado y Maquillaje

Los diseñadores de vestuario Jacqueline West y Bob Morgan fueron los encargados de crear la miríada de trajes que se utilizaron en la película. El emparejamiento de los dos con la película ajustó a la perfección. “Estoy obsesionada con la historia”, dice la ex historiadora del arte West. “Esta historia es una aventura filosófica, psicológica y de múltiples capas, llena de misticismo e historia. Me cautivó. Conociendo las películas de Denis Villeneuve y tras leer el libro Duna, pensé: ‘Este es el matrimonio perfecto para mí’”.

Morgan concuerda y agrega: “La película es un festín visual con el cual jugar. Me sentí increíblemente honrado de que Jacqui me pidiera que viniera a compartir esto con ella y colaborar. Trabajamos juntos en el pasado, pero esta vez fue realmente único”.

“Fue una gran empresa, porque requirió crear muchos trajes futuristas sin tener los puntos de referencia futuristas habituales”, prosigue West. “He hecho muchas películas de época, pero no muchas ambientadas en el futuro. Quizá eso fue lo que le atrajo a Denis; no quería hacer una película de ciencia ficción tradicional. Desde el principio dijo: ‘Sin naves espaciales ni extraterrestres’. Realmente quería algo más psicológico. Desde el inicio me di cuenta de que iba a ser un cuento filosófico, psicológico y místico, y no una película de videojuegos. Sus otras películas son profundas y, a partir de nuestras discusiones, supe que iba a tener muchas capas. Denis fue muy bueno para describir cómo quería que se viera y cómo no quería que se viera. Me gusta mucho cuando saben lo que quieren y pueden expresarlo; él fue muy honesto”. 

“Denis estableció un marco y un parámetro para nosotros: a veces, saber lo que no es resulta tan importante como saber qué es”, concluye Morgan.

La dupla se trasladó de Los Ángeles a Budapest y reunió un pequeño ejército de los mejores colaboradores de todos los rincones del planeta. Inspirándose en las directivas de Villeneuve, West y Morgan comenzaron haciendo una gran cantidad de investigaciones tanto del futuro como del pasado. West dice: “Denis habló mucho sobre los nómadas y la gente del desierto y los diferentes desiertos del mundo, y cómo la gente se ha vestido para sobrevivir en ellos. Miramos cientos de pinturas y recogí muchas referencias medievales porque era parte de mi área de estudio en historia del arte. Vi muchas pinturas de Goya, que me hipnotizaron con sus representaciones de la religión y el bien y el mal. También había referencias a la mitología griega en la novela y eso me puso en otro dilema”.

Además, West y Morgan estaban interesados ​​en que el vestuario también fuera funcional. Morgan dice: “El principio rector de todo el material que investigamos fue que la función dicta la forma. Eso se aplicó en todo el vestuario, de pies a cabeza, siempre estuvo guiado por lo que los personajes necesitaban poder hacer para sobrevivir, particularmente en el desierto. Al mismo tiempo, el vestuario tenía que ser plausible para este mundo donde la tecnología no tiene nada que ver con la tecnología informática y es casi industrial y primitiva en comparación con lo que consideramos futurista”.

En cuanto a la paleta de colores, West y Morgan se inspiraron en los mundos en los que vivían los personajes tal como los diseñó Vermette. “Los trajes de los Atreides eran en su mayoría verdes porque Caladan es un planeta muy fresco con mucha lluvia, por lo que es exuberante y denso”, dice West. “Arrakis, por el contrario, es desierto y roca, por lo que los trajes de sus habitantes eran de color amarillo arena y beige”.

Una de las piezas clave fue el destiltraje, atuendo de alta tecnología usado por los Fremen. El exclusivo sistema de reciclaje de fluidos del traje les permite sobrevivir en el árido desierto. Según la novela, el traje tiene un sofisticado sistema de bombeo con una pieza nasal que recoge el sudor y la orina y luego los recicla, por lo que el usuario solo pierde unas gotas de agua al día. El artista conceptual de vestuario Keith Christensen dibujó el destiltraje.

“El destiltraje, más que cualquier otro diseño, tenía que verse como una prenda absolutamente funcional, que destila los fluidos residuales humanos en agua potable”, dice Morgan. “Pero también tenía que ajustarse al cuerpo y verse bien en todos estos actores de diferentes siluetas. El desafío era hacer que se viera funcional y estético”. Morgan y West agregaron capas de gasa y capotes al atuendo, que actúan casi como camuflaje. Su color arena y movimiento fluido y flotante complementan los tonos grises del traje. “El movimiento de las túnicas en el viento también da una sensación de romance”, agrega.

Para diferenciar los ejércitos en las escenas de batalla, West y Morgan crearon looks muy distintos para cada fuerza de combate utilizando colores contrastantes. Para los Sardaukar, la despiadada fuerza militar de élite del Emperador, diseñaron trajes espaciales blancos reforzados que casi brillarían siniestramente en la oscuridad con una insignia color rojo sangre. Los Atreides usan armaduras grises fortificadas, y los Harkonnen parecen insectos con sus armaduras cubiertas de escamas negras y cascos en forma de hormiga. 

Para la Reverenda Madre Mohiam, los diseñadores idearon un look que combinaba características de la representación de la reina tanto en el tarot de Marsella como en el tablero de ajedrez tradicional. Negro y sombrío, el atuendo consta de un vestido largo de manga larga con una llamativa capa adornada con bordados intrincados. En la cabeza, lleva un sombrero de copa, similar a un bonete kamilavka ortodoxo griego, cubierto de terciopelo negro y con un pesado velo de cuentas para cubrir la cara. El aspecto general es de autoridad y poder.

El monstruoso Barón Harkonnen se inspiró en el personaje de Marlon Brando, Kurtz, en “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola. “El Barón Harkonnen es el corazón de las tinieblas. Su túnica es de seda negra y ligeramente transparente”, dice Morgan. 

El vestuario de Lady Jessica presentó un desafío diferente para ellos. “Ella pasa de ser muy parecida a una monja con un atuendo oscuro en Caladan, a ropa más brillante e iluminada por el sol en Arrakis”, explica West. Jessica lleva un vestido negro largo y sencillo con un pañuelo en la cabeza cuando la conocemos, y para la llegada a Arrakis lleva un vestido largo y entallado color beige con un llamativo velo dorado tejido y guantes, todo cubierto con un capa y capucha ondulantes. Sus cortesanas están vestidas con atuendos similares de todos los colores del desierto: amarillos, ocres y ámbar. “Hicimos referencia al mercado de especias en Marrakech al crear sus colores, ¡así que inevitablemente se convirtieron en las spice girls (chicas de las especias)!”, bromea West.

Para Piter De Vries, West y Morgan crearon un atuendo para que pareciera un estilete humano, creando una apariencia alargada, oscura y afilada. Otro fue un homenaje directo a una de las películas favoritas de Villeneuve y West, ‘El séptimo sello’ de Ingmar Bergman.

Finalmente, Paul debe su look a otra película clásica ambientada en el desierto, como explica West: “Paul Atreides para mí siempre ha sido Lawrence de Arabia, imitando la forma en que Lawrence guía a los árabes contra los turcos. Supongo que como está vestido en el desierto, con los pañuelos y las capas, fue nuestro homenaje a David Lean”.

Como todo el elenco, Timothée Chalamet quedó impresionado con las creaciones de West y Morgan. “El vestuario es asombroso en esta película”, dice. “Es brutalista, es oscuro, pero se siente fiel al ritmo y la estética del libro”.

Villeneuve dice: “Elegí trabajar con Jacqueline West y Bob Morgan porque son bien conocidos por sus películas de época y quería que el diseño de vestuario se sintiera como una película histórica. Cuando lees el libro, tienes la impresión de que fue escrito en el futuro y traído al pasado por una especie de historiador extraño que usó una máquina del tiempo. Quería tener esa sensación con el diseño de vestuario. Quería que se sintiera auténtico, que se alejara de la fantasía para estar más arraigado en la realidad de lo que los personajes experimentarían en el entorno o debido a su posición social. Quería algo que se sintiera tan arraigado, tan sucio, tan real como fuera posible, y sabía que ellos serían perfectos para eso. Soy un gran admirador de su trabajo”.

El diseñador a cargo del maquillaje, peinados y prostéticos fue Donald Mowat, esta película marca su cuarta con Villeneuve. El artista confiesa que, a diferencia de otros en el proyecto: “¡No leí el libro! Cuando comencé a ver la película anterior, me detuve, ya que interfería con mi forma de trabajar. Quería centrarme más en el guion y los storyboards, básicamente para ayudar con lo que Denis visualizó y lo que los actores aportarían”.

Describe el aspecto general de sus diseños de maquillaje para ‘Duna’ como tener “una sensación basada en la realidad con elementos contemporáneos y de época en el maquillaje de los personajes y el diseño de peinado para nuestro increíble elenco de actores”.

Inspirado por su investigación sobre antropología, historia del arte, películas y fotografías, e incluso la vida monástica, Mowat creó distintos looks para cada uno de los diferentes Fremen nómadas. Los soldados Atreides se caracterizan por tener el pelo corto por atrás y los costados bien afeitados para un look paramilitar.

“Siempre recurro a menos es más”, dice, “pero incluso entonces, hay algo sobre el maquillaje y el peinado que puede ser muy difícil de vender a una audiencia —tienes que trabajar diligentemente para crearlo de tal modo que no parece forzado. Simple y natural es mucho más difícil de lo que la gente cree”.

El elenco agradeció la creatividad de Mowat. Rebecca Ferguson dice sobre Lady Jessica: “Ambos decidimos que la apariencia de Jessica tenía que ser apagado, porque no es la reina del rey de Leto, por así decirlo, sino una concubina. Tiene mucho poder, pero no del tipo que busca atención. Ella es la protectora, parada un paso detrás de Leto, fuera del foco de atención. Así que Donald creó un look muy simple, sin maquillaje, para ella que era perfecto”.

“Tanto Rebecca como Timothée lucen despampanantes en la película”, comenta Mowat. “Hay una cualidad en ellos que es atemporal”.

Como Gurney Halleck, el maestro de guerra Atreides, Josh Brolin tiene una cicatriz cuidadosamente diseñada para el realismo, los matices y, por supuesto, la historia.

Para Stilgar, líder de los Fremen, Mowat dice: “Trabajé muy de cerca con Javier Bardem para crear algo que realmente le gustara. Tatuajes difuminados y maquillaje de ojos. Desde el punto de vista del personaje, esto me llama la atención, porque creo que se ve como nunca se ha visto en una película”.

Para los Harkonnen, el look fue sin pelo, con maquillaje color hueso/alabastrino, cejas cubiertas y coronillas calvas, creando una apariencia muy estilizada. A los despiadados Sardaukar se les dio un look más viril, con barba, cabello peinado hacia atrás y un tatuaje en la frente. 

El maquillaje para Beast de Dave Bautista y Piter De Vries de David Dastmalchian fue bastante complejo, incluido el tatuaje de mentat en los labios (que, por supuesto, también se aplicó a Stephen McKinley Henderson como el mentat Thufir Hawat de la Casa Atreides). Pero podría decirse que el maquillaje más desafiante fue el del Barón Harkonnen. “Fue una empresa enorme”, dice Mowat, “porque Stellan Skarsgård está en un traje prostético “desnudo” de cuerpo completo. Con un personaje como este, el maquillaje puede salir muy mal rápidamente. Puede volverse cómico, porque tan pronto le pones un traje así a un actor, empiezas a pensar en ‘Austin Powers’ o ‘Little Britain’”.

En sintonía con West y Morgan —en cierto modo—, Mowat revela que su inspiración para el Barón fue “feroz, gorilesco, una combinación de Marlon Brando tanto en ‘Apocalypse Now’ como en ‘La isla del Dr. Moreau’”.

El equipo que Mowat trajo para crear el traje fue el de los artistas de prostéticos suecos Love Larson y Eva von Bahr. El proceso requirió mucho tiempo y trabajo. Primero, tuvieron que tomar un molde de cuerpo completo, rostro y cabeza de Skarsgård.

El dúo quedó impresionado por la fortaleza del actor. “Stellan fue increíble. Tuvo que quedarse quieto hasta por dos horas, soportando una carga muy pesada de silicona, con vendajes de yeso para sostener la estructura y mantener la forma de la silicona”, dice Larson. “La cabeza y los hombros se hicieron por separado y debió ser muy claustrofóbico, pero él fue un soldado”.

Una sorpresa para el equipo fue que el Barón Harkonnen estaría desnudo durante la mayor parte de la película. Larson dice: “A Denis y Stellan les encantaba cómo se veía desnudo, por lo que Jacqueline West y Bob Morgan, los diseñadores de vestuario, comenzaron a crear nuevos conceptos para su vestuario con un material más delgado que permitiera que el cuerpo se mostrara”.

En total, se fabricaron seis de esos trajes en el taller de Estocolmo, utilizando a su equipo habitual en Suecia y contratando a dos escultores de España para terminar la escultura del cuerpo. Los trajes tenían que ser adecuados para las escenas del Barón Harkonnen en su baño, lo que presentaba más desafíos para el equipo de prostéticos. “Hicimos algunas pruebas con el traje en el agua”, dice von Bahr, “y rápidamente nos dimos cuenta de que flotaba demasiado y que sería muy difícil meterlo bajo el agua. También estaba el problema de que cuando se metía al agua, el traje se convertía en una esponja y absorbía tanta agua y se volvía tan pesado ¡que era demasiado difícil sacarlo!”.

Pero la inmersión en una bañera no fue el único desafío: el Barón Harkonnen puede flotar en el aire. Para esas escenas, se hicieron agujeros en el traje para acomodar las correas del arnés y el equipo tuvo que estar en espera constantemente durante las escenas de vuelo para asegurarse de que Skarsgård tocara el suelo.

El proceso de siete horas para que el actor se pusiera el traje completo para la filmación era complejo, y el equipo elaboró ​​un sistema para hacerlo lo más cómodo posible para el actor. Von Bahr dice: “Hacía mucho calor en el traje, así que primero le poníamos un traje de enfriamiento, lo que ayudaba un poco. Comenzábamos por ponerle la gorra de calvicie para mantener su cabello oculto, luego la pieza del cuello y luego la de la cabeza que se superpone en la parte posterior —esa era una de las piezas más grandes. Luego seguía la barbilla, seguida de cada mejilla y finalmente los lóbulos de las orejas. El siguiente paso eran los prostéticos de manos sobre los nudillos, que en conjunto pesaban unos cuatro kilos. Por último, le poníamos el traje interior de músculos, seguido de la piel”.

Mowat afirma: “Este fue un proyecto verdaderamente colaborativo con mi increíble equipo, cuya dedicación y arduo trabajo es evidente en la película. Qué reparto tan maravilloso —fue un gran placer para mí ayudarlos a dar vida a estos personajes”.

Acción / Efectos / Sonido

Tom Struthers, coordinador de acrobacias y director de la segunda unidad, tuvo el desafiante trabajo de asegurar que todas las escenas de acción en “Duna” fueran espectaculares y seguras tanto para los actores como para los dobles de riesgo. De hecho, las diversas escenas de acrobacias y peleas coreografiadas por Struthers y el coordinador de peleas Roger Yuan, estuvieron entre las más complejas que Momoa, un actor con un extenso currículum de películas llenas de acción, haya hecho. “En una escena, lucho contra 19 dobles de riesgo al mismo tiempo, lo cual nunca antes había hecho”, explica. “Pasamos mucho tiempo entrenando para ello. Denis no suele hacer ese tipo de piezas de acción, por lo que ver su emoción y su visión fue una experiencia totalmente diferente”.

“Roger Yuan es un gran coordinador de peleas”, dice Josh Brolin. “Denis y yo hablamos de la batalla de Harkonnen y pensamos que tenía que ser lo más brutal posible. Hasta este momento, la audiencia habrá visto a Gurney como el maestro, el poeta y el consejero, así que esta era la oportunidad de mostrar otro lado suyo. Esta pelea es todo lo que es Gurney. Es toda la irritabilidad y la paranoia que ves que conducen a ella: él quiere estar preparado al mil por ciento para proteger a esta familia, porque esa es su raison d’être. Esa es su vida”.

Rebecca Ferguson quedó impresionada por cómo Yuan y Struthers lograron que el estilo de lucha de Lady Jessica reflejara tan bien su carácter. “Jessica tiene una forma de pelear muy precisa; es muy directa”, afirma. “Eso fue perfecto para ella porque, como guardaespaldas y protectora, está completamente consciente de su entorno, escanea la habitación, lee a la gente, predice lo que va a pasar. Es muy rápida y ágil, mental y físicamente, y esa es también su técnica de lucha”.

Villeneuve y su equipo tuvieron la suerte de poder contar con la experiencia técnica del supervisor de efectos especiales Gerd Nefzer. Entre los muchos efectos que se les pidió recrear a Nefzer y su equipo, estaban las violentas tormentas de arena que arrasan con los personajes en puntos clave de la historia. Debido a que Villeneuve estaba muy interesado en que la mayor parte de la película se hiciera con efectos prácticos y no con CGI, Nefzer dice: “Fue un gran desafío para nosotros, tener arena y polvo volando cuando hay actores que no solo tienen que soportarlo, sino que además tienen que actuar en medio de ello. Eso no es fácil”.

Para crear las tormentas de arena, Nefzer tuvo que obtener polvo que coincidiera con los colores de la arena en Jordania. La búsqueda duró unas diez semanas. “El color tenía que coincidir exactamente y tenía que volar bien por el aire”, dice. “Trajimos un producto natural que generalmente se usa para el maquillaje. Debes tener en cuenta que el elenco y el equipo están respirando y quieres evitar cualquier problema de salud, por lo que mantuvimos el polvo lo más lejos posible de los actores y solo lo usamos cuando las cámaras estaban grabando”.

Otros efectos que el equipo tuvo que crear fueron lluvia y tormentas de viento, vapor para la sauna del Barón Harkonnen, explosiones e incendios.

Por ejemplo, Arrakis tiene varias palmeras preciosas en el jardín que tuvieron que prender en fuego. Después de varias pruebas, el equipo construyó un total de aproximadamente 250 hojas de los árboles con acero que estaban conectadas a una alimentación de gas insertada en cada tronco, y luego hacerlos parecer intactos, a pesar de los 16 kilómetros de tubería de gas que corrían hacia ellos.

Mientras estaba en el desierto, el equipo de efectos especiales se centró principalmente en el clima y la mecánica. Nefzer detalla: “Teníamos tres o cuatro tipos diferentes de ornitópteros, que hacían cosas diferentes. Tuvimos que crear y probar todas estas plataformas y tenían que ser completamente seguras porque nuestros actores estaban dentro de ellas. Pero también tenía que verse bastante salvaje, especialmente cuando el ornitóptero volaba hacia la tormenta de arena, por lo que lograr el equilibrio fue todo un desafío”.

Por supuesto, cualquier tipo de máquina voladora requiere su propia estructura de soporte, y eso significa cardanes y plataformas. “La mayoría de las veces usamos plataformas de vuelo como las que usa la Fuerza Aérea para sus aviones de práctica simulada”, dice Nefzer. “Hay una base de movimiento de seis ejes, así que tiene una base de seis ejes con seis pistones hidráulicos, por lo que se pueden crear casi todos los movimientos y fuerza de gravedad. Cuando el ornitóptero está girando, se debe agregar otro eje y tener un anillo de giro. Y tienes que programar los diferentes movimientos. Así fue como hicimos la mayor parte del trabajo de vuelo del ornitóptero”.

Nefzer también tuvo que crear los efectos de los ataques de los gusanos de arena, las enormes criaturas excavadoras que pueden sentir el movimiento en el suelo a kilómetros de distancia y moverse con una velocidad increíble. Estos fueron, por supuesto, creados por el supervisor de efectos visuales Paul Lambert y su enorme equipo, quienes también fueron los encargados de, literalmente, especiar un poco la película.

Cuando se mueven, los gusanos de arena hacen vibrar todo el desierto y la arena se sacude. Para crear el efecto, “Construimos una gran plataforma bajo la arena en Jordania y trajimos diez motores de vibración”, dice Nefzer. “Probamos con diferentes arenas y al final usamos grandes hojas de madera con fuertes motores de vibración debajo, y funcionó muy bien”.

A Lambert le encantó la técnica y advirtió: “Siempre sabrás cuando hay un gusano cerca, porque desarrollamos esta idea de que el gusano crea una fuerza tal bajo tierra que sacude el mundo, lo que produce automáticamente cascadas en las dunas. Así que, cuando el público vea un gusano acercarse, notará que las dunas que lo rodean caen en cascada casi como agua. Realmente me encantó que en este desierto árido y seco, tienes una criatura que es una especie de agua simulada, subiendo y colapsando.

Lambert sabía que Villeneuve quería que el público experimentara Duna de la manera más realista posible, por lo que, en colaboración con los otros departamentos, pudo idear una multitud de enfoques diferentes para hacer que los efectos visuales fueran lo más fotorrealistas posible. Una de las singulares técnicas fue la invención de una pantalla de arena. Explica: “En lugar de usar una pantalla azul o verde, usamos una pantalla de color arena, la idea era que, debido a que sabíamos que cualquier placa de fondo o entorno generado por computadora sería esencialmente de ese color, la acción en primer plano ya estaría sumergida en el mismo ambiente de color. Esto ayudó enormemente a la integración de las diferentes capas. La ventaja de esta técnica es que si inviertes el color de la arena durante el proceso de composición, terminas con un color azul, que luego actúa como una pantalla azul, lo que te permite hacer una extracción mate más tradicional si es necesario. Obviamente, hay algunos problemas con eso, el tono de la piel y los colores arena similares son un poco más problemáticos —pero te sales con la tuya y terminas con un aspecto visual mucho más natural cuando estás componiendo una imagen que ha sido extraída de un color similar al que va a ser el final. Es una técnica sencilla, pero muy efectiva para esta película, que trata sobre arena”.

El cine es, por supuesto, un medio tanto visual como auditivo. Mark Mangini y Theo Green se desempeñaron como editores de sonido en jefe de la película, y Doug Hemphill y Ron Bartlett fueron los mezcladores de regrabación, todos los cuales trabajaron en “Blade Runner 2049”.  

Green recuerda que cuando le llegó el proyecto, “Duna era honestamente un recuerdo vago, la leí cuando tenía 11 años. Pero me llevé el libro al desierto —el Valle de la Muerte—, jugué con la arena, pensé en la historia y luego leí el guion y, como resultado, comencé a grabar las primeras ideas. Estar en silencio me permitió explorar cuál era realmente el sonido de la arena”.

El dúo también comenzó a discutir desde el principio los elementos de audio recurrentes clave en la historia, uno de los cuales es el golpe que usan los Fremen para atraer a los gusanos de arena. Profundizando en el tema, Green prosigue: “Me di cuenta de que una duna de arena, a diferencia de gran parte de la tierra en la que vivimos, es un cuerpo resonante, puedes escuchar a alguien caminando a 100 metros de distancia”.

Mangini dice que pronto regresaron al sitio de pruebas para grabar. “Pasamos un día entero en el desierto haciendo elementos para el golpeteo de la arena, incluido el enterrar hidrófonos —como el micrófono que normalmente se usa bajo el agua— en las profundidades de la arena y golpear el desierto para obtener el efecto de golpe”.

“Usando los hidrófonos”, agrega, “también pudimos capturar un sonido realmente novedoso —un gemido subterráneo— que la mayoría de la gente no conoce. La arena misma, en grandes masas y con la humedad y temperatura adecuadas, y en una determinada época del año, produce estos hermosos gemidos de ballena. En la película, casi hace que el desierto tenga su propio carácter, porque tiene voz”. 

La voz resultaría ser otro instrumento inesperado en la realización de la película cuando Villeneuve recurrió una vez más al magistral Hans Zimmer para crear la partitura.

Sabiendo que la novela de Herbert era una pasión tanto para Zimmer como para él, Villeneuve había esperado desde el principio reunirse con el célebre compositor, que colaboró ​​con él en “Blade Runner 2049”. “Una de las relaciones artísticas más inspiradoras y poderosas de mi vida es la de Hans, por lo que tener la oportunidad de trabajar con él en ‘Duna’ es uno de los mayores privilegios de mi vida”.

Como esperaba, los dos se unieron instantáneamente por su amor por el libro y sus muchos temas. “Estuvimos de acuerdo en que la música debía tener una espiritualidad... una cualidad santificada”, comparte Villeneuve. “Algo que elevara el alma y tuviera el efecto que solo la música sacra puede lograr. Y creo que eso está firmemente presente en la partitura de Hans”.

Zimmer, quien llama a Villeneuve “uno de los grandes”, describe su colaboración en el proyecto. “Me encanta trabajar con Denis. Tiene una imaginación increíble y pone mucho corazón y alma dentro de la complejidad de hacer una película de esta magnitud, y nuestra estética es muy comparable. Duna siempre ha estado muy cerca de nuestro corazón. La tarea era averiguar cómo íbamos a interpretar algo que realmente amamos y admiramos e invitar a la audiencia a venir y tener su propia experiencia personal. Esa fue, para nosotros, la razón para hacer esta película”.

“Hans se inspiró en el sonido del viento y la arena, porque en Duna el ritmo lo es todo. El ritmo es vida y, lo más importante, también puede ser la muerte, porque el ritmo atrae a los gusanos de arena. Entonces, lo primero que dijimos fue que la forma en que abordaríamos el ritmo sería única. Hizo un montón de experimentos mientras estábamos filmando la película; tratando de definir un nuevo lenguaje musical. Me repetía que su música no es de nuestro mundo sino de otro tiempo, de otro planeta. Quería crear un paisaje sonoro que no hubiéramos escuchado antes y pasó meses y meses creando nuevos instrumentos, definiendo, creando y buscando nuevos sonidos, empujando los límites. En la película hay ritmos espasmódicos y rotos que Hans incluyó y que creo que son icónicos para la banda sonora”, relata Villeneuve. 

Zimmer adoptó el enfoque de que, dado que Duna era una civilización completamente diferente, inventaría instrumentos para acompañar ese concepto. Sin embargo, una constante que los dos sintieron que se mantendría en cualquier civilización era el poder de la voz humana. “Denis y yo estuvimos de acuerdo en que los personajes femeninos de la película —en especial la influencia de las Bene Gesserit— impulsan la historia”, informa el compositor. “Así que la partitura se basa principalmente en voces femeninas. Desarrollamos nuestro propio lenguaje. La maestría musical es extraordinaria, y no es una partitura orquestal convencional”.

El equilibrio y el ritmo también influyeron mucho en el trabajo del editor Joe Walker. Después de editar “Duna”, que marca la cuarta película en la que ha trabajado con Villeneuve, Walker revela que uno de sus momentos favoritos en la edición fue “probablemente la escena más difícil, la prueba del Gom Jabbar”.  

El Gom Jabbar es el nombre de la caja en la que la Reverenda Madre hace que Paul coloque su mano, dentro de la cual, ella le dice, hay “dolor”.

“Es una escena trepidante”, dice Walker, “que trata de conseguir un ritmo y permite alternar entre el sufrimiento de Paul con su mano en lo que esencialmente es una tostadora, y su madre afuera sabiendo que probablemente está condenado, y también con la apertura de un universo, un mundo Kwisatz Haderach, de las Bene Gesserit, dentro de su cabeza. Era muy importante conseguir el equilibrio y el ritmo correctos. Nos tomó mucho tiempo; todavía lo estábamos perfeccionando hasta el último día”.

Walker también describe el desafío —y la alegría— de editar para IMAX. “En una sala de edición es casi imposible ver los detalles que se pueden ver en una pantalla grande, por lo que constantemente tienes que revisar tu trabajo en una pantalla más grande, lo cual, ya sabes, no es exactamente una dificultad”, ríe. “Es genial sentarse y ver esto en una enorme pantalla IMAX, ves pequeños detalles que, bueno... es impactante la profundidad cuando estás mirando un desierto de ese tamaño. El detalle de estas tomas fue increíble”.  

“Pero también tienes que editar las cosas de manera ligeramente diferente para IMAX”, continúa. “Hay que ceder un poco, porque si cortas y cambias demasiado rápido en una película que se verá en una pantalla tan grande, puede causar fatiga visual. Cuando tus ojos recorren casi veinte metros es un esfuerzo muscular, y no quieres excederte. Así que en algunas de esas escenas, lo abordamos desde el punto de vista de la audiencia y simplemente nos sentamos y disfrutamos de la grandeza”, sonríe.

Con sus asombrosas locaciones, sets cruciales, acción emocionante y personajes cautivadores que comprenden la apasionante historia del paso a la adultez de un joven en un mundo de agitación social y política, Villeneuve y sus muchos colaboradores esperan que la película atraiga tanto a los fanáticos de la novela como a las audiencias cinematográficas de todas las nacionalidades, demografías y generaciones.

“Duna, para mí, es una carta de amor a la pantalla grande. Así se soñó, así se diseñó, así se logró. Pero la historia es demasiado compleja para incluirla en una sola película, así que en mi opinión, aunque fue un desafío —fue, por mucho, la película más grande que he hecho, la más desafiante— ‘Duna’ es un aperitivo para la segunda parte aún por llegar, la cual es el plato fuerte”, adelanta Villeneuve. 

“Cuando el miedo desaparezca, solamente yo prevaleceré”.

—Paul

ACERCA DEL ELENCO

TIMOTHÉE CHALAMET (Paul Atreides) aparecerá en “The French Dispatch”, filme de Wes Anderson con Frances McDormand y Lyna Khoudri. La película da vida a una serie de historias que aparecen en el último número de una revista estadounidense publicada en una ciudad francesa ficticia del siglo XX. El filme debutó en el Festival Internacional de Cine de Cannes, recibió excelentes críticas y se estrenará el 22 de octubre. A finales del año, se podrá ver a Chalamet como parte del elenco de la cinta de Netflix “Don’t Look Up”, dirigida por Adam McKay y estelarizada por Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence. 

Recientemente, Chalamet terminó de rodar el filme de Luca Guadagnino “Bone and All”, junto a Taylor Russell. Pronto comenzará al filmar el musical “Wonka”. El filme, dirigido por Paul King y escrito por Simon Farnaby, se concentrará en las aventuras del joven Willy Wonka (Chalamet) que anteceden a la apertura de la fábrica de chocolate más famosa del mundo.

En 2019, Chalamet interpretó a Laurie en el filme “Little Women” de Greta Gerwig con Saoirse Ronan, el cual obtuvo seis nominaciones al Oscar. En 2018, Chalamet compartió la pantalla con Steve Carell en “Beautiful Boy” de Felix Van Groeningen, y su interpretación le valió nominaciones a los premios Golden Globe, Screen Actors Guild (SAG) y BAFTA. 

En 2017, Chalamet se dio a conocer en el filme “Call Me By Your Name”, dirigido por Guadagnino y escrito por James Ivory a partir de la novela de Andre Aciman. Por este papel, Chalamet fue nominado al Golden Globe, al premio SAG, al BAFTA y al premio de la Academia, convirtiéndose en el nominado al Oscar más joven en la categoría de Mejor Actor desde 1939. En la misma categoría, ganó el premio Independent Spirit y galardones de las organizaciones New York Film Critics, Los Angeles Film Critics y varios otros grupos de críticos. Ese mismo año, apareció en “Lady Bird”, cinta de Gerwig protagonizada por Ronan, la cual ganó el Golden Globe a Mejor Película Musical o de Comedia; y en “Hostiles” de Scott Cooper, al lado de Christian Bale. Antes, apareció en “The King” de David Michod, “Interstellar” de Christopher Nolan, y “Miss Stevens” de Julia Hart.

En televisión, Chalamet tuvo un papel protagónico en la temporada dos de la aclamada serie “Homeland”, junto a Damian Lewis y Claire Danes. Ese año, el elenco obtuvo el premio del SAG al Mejor Reparto en una serie dramática. Sus créditos en teatro incluyen la producción de “Prodigal Son”, montaje de John Patrick Shanley que se presentó fuera de Broadway, pero por el cual ganó el premio Lucille Lortely, además de una nominación a los premios Drama Desk y Clive Barnes como Mejor Actor.

REBECCA FERGUSON (lady Jessica) capturó la atención del público internacional al interpretar a la reina Isabel en la serie de BBC/Starz “The White Queen”, trabajo por el cual la nominaron al Golden Globe. Desde entonces, se ha consolidado en la industria como una actriz protagónica.

Ferguson aparecerá junto a Tom Cruise en “Mission: Impossible 7” de Chris McQuarrie, el 27 de mayo de 2022, cinta en la cual retoma el papel de Ilsa Faust que interpretó en “Mission: Impossible – Fallout” (2018) y “Mission: Impossible – Rogue Nation” (2015). Por este último proyecto, Ferguson obtuvo una nominación al premio Critics Choice.

Ferguson comparte créditos con Hugh Jackman y Thandiwe Newton en el largometraje de ciencia ficción “Reminiscence”, dirigido por Lisa Joy. El filme estrenado el 20 de agosto sigue a un investigador privado (Jackman) que se especializa en la mente y ayuda a sus clientes a revivir recuerdos, al tiempo que usa la tecnología para buscar a un ser amado que perdió hace mucho tiempo (Ferguson). 

Otros créditos fílmicos recientes de Ferguson incluyen un papel estelar junto a Ewan McGregor en “Stephen King’s Doctor Sleep” de Mike Flanagan, la secuela del clásico de culto “The Shining”; “The Greatest Showman” de Michael Gracey, al lado de Hugh Jackman; “Life”, cinta de ciencia ficción dirigida por Daniel Espinosa en la que comparte la pantalla con Ryan Reynolds y Jake Gyllenhaal; “The Snowman” de Tomas Alfredson, junto a Michael Fassbender; y “The Girl on the Train” filme de Tate Taylor estelarizado por Emily Blunt.

En septiembre, Ferguson empezó a trabajar en “Wool”, una nueva serie de Apple TV+ basada en la novela aclamada de Hugh Howey.  Ferguson tiene el papel principal y fungirá como productora ejecutiva junto con el showrunner Graham Yost y el director Morten Tyldum.

OSCAR ISAAC (duque Leto Atreides) es un actor, productor y músico premiado y aclamado por la crítica. En 2016, obtuvo un Golden Globe por su papel en la miniserie de HBO “Show Me A Hero”, en la categoría de Mejor Actor en una Miniserie o Película para Televisión; así como una nominación a Mejor Actor en una Película o Miniserie en los Premios Critics’ Choice. Dos años antes, obtuvo el premio Independent Spirit al Mejor Actor Protagónico y una nominación al Golden Globe por interpretar al personaje homónimo del filme “Inside Llewyn Davis” de los hermanos Coen. Asimismo, interpretó muchas canciones de la banda sonora del filme.  

Ese mismo año, Isaac protagonizó el drama lleno de acción “A Most Violent Year” de J.C. Chandor, la cinta obtuvo el premio a la Mejor Película que otorga el National Board of Review, mientras que Isaac se llevó el de Mejor Actor. Al año siguiente, Isaac estelarizó “Ex Machina”, película escrita y dirigida por Alex Garland. El National Board of Review incluyó a la película entre las diez mejores producciones independientes del año. En 2015, Isaac interpretó al piloto de la Resistencia, Poe Dameron, en la muy esperada “Star Wars: The Force Awakens”, entrega número siete en la serie de filmes de “Star Wars”. Dirigida, coproducida y coescrita por J.J. Abrams, “Star Wars: The Force Awakens” es la primera de una trilogía. Isaac volvió a encarnar a Poe Dameron en “Star Wars: The Last Jedi” (2017) y hace poco, en el capítulo final: “Stars Wars: The Rise of Skywalker” (2019). Otros créditos como actor incluyen “The Promise” (2016), “X-Men: Apocalypse” (2016), “Suburbicon” (2017), “Annihilation” (2018), “Operation Finale” (2018, también tiene el crédito de productor), “Life Itself” (2018), “Triple Frontier” (2019), “At Eternity’s Gate” (2019), y “The Addams Family” (2019). Isaac estelarizó “The Letter Room”, cortometraje dirigido por Elvira Lind que estuvo nominado al Oscar como Mejor Cortometraje Live Action (Ficción) en 2021. 

En el verano de 2017, Isaac encabezó la producción de “Hamlet” que realizó The Public Theater con Sam Gold como director. Fuera de Broadway, Isaac trabajó en la obra “We Live Here” de Zoe Kazan y la compañía Manhattan Theatre Club. Asimismo, se unió a los montajes de “Romeo and Juliet” (como Romeo) y “Two Gentlemen of Verona” que produjo The Public Theater para el programa teatral Shakespeare in the Park. Isaac también apareció en “Beauty of the Father” con el Manhattan Theatre Club y en “Grace” del MCC Theater. Entre otros créditos teatrales destacan: “Arrivals and Departures”, “When It’s Cocktail Time in Cuba” y “Spinning into Butter”.

Pronto, Isaac protagonizará “The Card Counter” de Paul Schrader, proyecto que cuenta con Martin Scorsese como productor ejecutivo y el cual se estrenará el uno de septiembre. Isaac también volverá a darle voz a Gomez Addams en “The Addams Family 2”, cuyo estreno será el uno de octubre. Isaac tendrá un papel estelar en el drama de época “Armageddon Time”, dirigido por James Gray, en el cual compartirá la pantalla con Robert De Niro, Donald Sutherland, Anne Hathaway y Cate Blanchett. A través de su compañía Mad Gene Media Banner, Isaac producirá el filme “London”, dirigido por Ben Stiller. Entre los próximos proyectos de Isaac, también destacan un papel en “Moon Knight” y “Scenes from a Marriage” de HBO.

Isaac protagonizará y producirá la adaptación del cómic de Brian K. Vaughn Ex Machina, cuyo nuevo título será “The Great Machine”. En la industria del cómic, Isaac también se asoció con Legendary Comics para producir Head Wounds: Sparrow, una novela gráfica basada en una idea que él mismo desarrolló con sus amigos de la infancia Bob Johnson y John Alvey. El encargado de escribir la novela gráfica será Brian Buccellato (Pokémon: Detective Pikachu, The Flash and Injustice: Gods Among Us de DC), mientras que el arte será obra de Christian Ward (Invisible Kingdom, Marvel's Black Bolt), y se espera que llegue a las tiendas el nueve de noviembre de 2021.

JOSH BROLIN (Gurney Halleck) es un actor nominado al premio de la Academia y uno de los mejores actores protagónicos de Hollywood. Siempre está buscando el equilibrio entre papeles desafiantes en producciones de estudio populares y filmes independientes que inviten a la reflexión.

Brolin pronto comenzará a trabajar en “Brothers” de Max Barbakow, cinta en la que fungirá como productor, además de unirse a Peter Dinklage para encarnar a un par de hermanos. También trabajará como productor ejecutivo de “George & Tammy”, cinta protagonizada por Jessica Chastain; retomará el papel de Cable, el némesis de Deadpool, en el spinoff “X-Force”; y será el escritor, productor ejecutivo y estrella de “The Untitled Josh Brolin Project” para Hulu.

Brolin está trabajando como actor y productor ejecutivo de la serie de Amazon “Outer Range”. Producida por la compañía Plan B Entertainment de Brad Pitt, el drama gira en torno al ranchero Royal Abbott (Brolin), quien lucha por su territorio y contra lo desconocido, después de descubrir un misterio en su propiedad.

En 2019, Brolin retomó el papel del supervillano Thanos en “Avengers: Endgame”, el final de las tres fases del Universo Cinematográfico de Marvel. El filme sigue a los Avengers y sus aliados, quienes enfrentan las repercusiones de “Avengers: Infinity War”. El éxito de taquilla obtuvo estupendas críticas y es la película que más ingresos ha generado en la historia.

Entre otros créditos recientes están: “A Bend in the River” de Colin Broderick, en la cual también fungió como productor ejecutivo; “Sicario 2: The Day of the Soldado”, de nuevo en el papel del agente especial pragmático Matt Graver, al lado del volátil Alejandro, interpretado por Benecio Del Toro (el filme original, dirigido por Denis Villeneuve, obtuvo tres nominaciones a los premios de la Academia); “Only the Brave” de Joseph Kosinski ; la comedia “Hail, Caesar!” de los hermanos Coen, en la que comparte la pantalla con George Clooney, Channing Tatum y Tilda Swinton; “Legacy of a Whitetail Deer Hunter”, al lado de Danny McBride y Carrie Coon; “Everest”, junto con Jake Gyllenhaal, Jason Clarke y John Hawkes; “Sin City 2: A Dame to Kill For”, dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller; e “Inherent Vice” de Paul Thomas Anderson, esta adaptación de la novela de detectives de Thomas Pynchon homónima cuenta con un elenco estelar que incluye a Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon y Owen Wilson.

En 2010, protagonizó “True Grit” de los hermanos Coen, filme nominado a diez premios de la Academia, incluido el de Mejor Película; y en “Wall Street: Money Never Sleeps” de Oliver Stone, al lado de Shia LaBeouf y Michael Douglas. Brolin también obtuvo estupendas críticas por su interpretación de George W. Bush en la película biográfica dirigida por Oliver Stone, “W”.

En 2008, Brolin recibió nominaciones al premio de la Academia y al galardón que otorga el Screen Actors Guild (SAG), además de obtener reconocimientos del New York Film Critics Circle y el National Board of Review, por su interpretación de Dan White en el aclamado filme “Milk” de Gus Van Sant. Antes de eso, Brolin obtuvo un premio SAG al formar parte del elenco de la cinta “No Country for Old Men” de los hermanos Coen, la cual ganó cuatro premios de la Academia, incluyendo el de Mejor Película y Mejor Director. Asimismo, Brolin protagonizó el éxito de taquilla “American Gangster” de Ridley Scott, el cual le valió otra nominación al premio SAG como parte del reparto.

Entre los créditos cinematográficos previos de Brolin destacan: “Labor Day”, bajo la dirección de Jason Reitman; “Old Boy” de Spike Lee; “Gangster Squad”; “Men in Black 3”; “Planet Terror”; “Grindhouse”, largometraje doble aclamado por la crítica y dirigido por Quentin Tarantino y Robert Rodriguez; “You Will Meet a Tall Dark Stranger”, al lado de Anthony Hopkins y Naomi Watts; “In the Valley of Elah”; “Into the Blue” de John Stockwell; “Coastlines” de Victor Nunez;  “Hollow Man”, éxito taquillero dirigido por Paul Verhoeven; “Mod Squad” de Scott Silver; “Nightwatch”, thriller psicológico dirigido por Ole Bornedal; “Best Laid Plans”, cinta producida por Mike Newell en la que comparte la pantalla con Reese Witherspoon; “All the Rage”; y el thriller de ciencia ficción de Guillermo Del Toro, “Mimic”. Brolin también fue reconocido por la crítica y el público por su trabajo en “Flirting with Disaster”, película de David O. Russell en la que interpreta a un agente federal bisexual, al lado de un elenco extraordinario encabezado por Ben Stiller. Brolin debutó en el cine con “Goonies”, película clásica de acción y comedia dirigida por Richard Donner para el productor Steven Spielberg.

En televisión, Brolin dejó huella como personaje regular en la popular serie de ABC “The Young Riders”, así como en “Private Eye” de NBC y “Winnetka Road” de CBS. Brolin también recibió elogios de la crítica por “Into the West”, miniserie épica de TNT estelarizada por Beau Bridges, Gary Busey y Jessica Capshaw. Asimismo, Brolin protagonizó el aclamado drama político de NBC “Mr. Sterling”.

Como productor, Brolin hizo equipo con Matt Damon, Chris Moore, Anthony Arnove y Howard Zinn para el documental titulado “The People Speak”, basado en el influyente libro de Zinn de 1980, A People’s History of the United States. El filme transmitido por el History Channel en 2009 revisa cómo ha batallado Estados Unidos con temas como la guerra, las clases, la raza y los derechos de las mujeres, a través de pasajes leídos por Viggo Mortensen, Sean Penn y David Strathairn, entre otros. Brolin debutó como director en 2008 con un cortometraje titulado “X”, que también escribió y produjo. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara, antes de proyectarse en otros festivales como el South by Southwest (SXSW) y el Festival de Cine de Dallas del AFI. 

STELLAN SKARSGÅRD (barón Vladimir Harkonnen) es un actor prolífico y premiado, cuyos créditos incluyen películas como “The Man Who Killed Don Quixote”, “Mamma Mia!” y “Mamma Mia! Here We Go Again”, “The Wife”, “Borg vs. McEnroe”, las sagas “The Avengers” y “Thor”, “The Girl with the Dragon Tattoo”, “Melancholia”, “Angels & Demons”, la saga “Pirates of the Caribbean”, “Goya’s Ghosts”, “Exorcist: the Beginning”, “King Arthur”, “Dogville”, “The Glass House”, “Dancer in the Dark”, “Deep Blue Sea”, “Ronin”, “Good Will Hunting” (cinta por la cual obtuvo una nominación al premio SAG como parte del elenco), “Amistad”, “Breaking the Waves”, “The Hunt for Red October”, “The Unbearable Lightness of Being” y muchas más.

En televisión, su trabajo en la serie “Chernobyl” lo hizo merecedor al Golden Globe a Mejor Actor de Reparto. También participó en “River”, “Entourage” y otras series, así como en películas para televisión como “God on Trial”, “D-Day” y “Hamlet”, entre otras.

DAVE BAUTISTA (bestia Rabban Harkonnen) interpretó a Drax el Destructor en “Guardians of the Galaxy”, película de 2014 en la que comparte créditos con Chris Pratt, Benicio Del Toro, Bradley Cooper y Zoe Saldana. El filme sigue a un grupo de personajes poco comunes, incluidos un piloto estadounidense y un grupo de exconvictos, quienes se unen para derrotar a una fuerza cósmica de proporciones épicas. “Guardians of the Galaxy Vol. 2” se estrenó en mayo de 2017, tras sumar a Kurt Russell y Sylvester Stallone al reparto. Reunió más de 863 millones de dólares en la taquilla. Los Guardianes se unieron a los Avengers en “Avengers; Infinity War”, película que se estrenó en abril de 2018 y estableció un récord en la taquilla durante su primer fin de semana. La cuarta entrega de la franquicia “Avengers” se estrenó en abril de 2019; “Avengers: Endgame” se convirtió en el filme más taquillero de la historia, gracias a los 2790 millones de dólares que recaudó. En el otoño de 2021, Bautista empezará a trabajar en “Guardians of the Galaxy Vol. 3”, película que se estrenará en mayo de 2023. 

En agosto, Bautista aparecerá en la segunda temporada de la serie de Apple TV “See”, al lado de Jason Momoa. “See” se desarrolla en un futuro distante, después de que un virus letal ha diezmado a la humanidad y ha dejado ciegos a los sobrevivientes. Por ahora, está rodando “Knives Out 2” con Daniel Craig, filme de Netflix escrito y dirigido por Rian Johnson.

Bautista apareció hace poco en “Army of the Dead”, filme de acción y terror de Netflix dirigido por Zack Snyder. La película retrata una irrupción de zombis en Las Vegas, mientras un grupo de mercenarios arriesga la vida al entrar a la zona de cuarentena para realizar el mayor atraco jamás intentado. La producción está entre los diez filmes de Netflix más vistos en su historia. 

En 2019, Bautista y su representante de toda la vida, Jonathan Meisner, fundaron Dream Bros Entertainment, compañía que produjo “My Spy”. El filme de acción para toda la familia se estrenó en junio de 2020 en Amazon Prime. Bautista protagoniza esta cinta sobre un agente de la CIA rudo que se encuentra a merced de una niña precoz de nueve años, después de que lo envían a vigilar a una familia como agente encubierto.

En el verano de 2019, Bautista debutó en el género de la comedia con el largometraje “Stuber”, al lado de Kumail Nanjiani. El filme dirigido por Michael Dowse gira en torno a Stu, un conductor de Uber confiado que termina envuelto en una noche caótica desgarradora. En 2018, Bautista trabajó en “Hotel Artemis”, junto a Jodie Foster y Sterling K. Brown, y en el filme de acción “Final Score”, en el cual interpretó a un exsoldado que debe salvar un estadio de futbol lleno de fans de un grupo terrorista. En noviembre de 2015, Bautista apareció en “Spectre”, largometraje de Sony y entrega 24 de la saga James Bond. Al lado de Daniel Craig, Christoph Waltz y Lea Seydoux, Bautista interpretó a Hinx, un asesino a sueldo con experiencia que conduce rápido y forma parte del cartel terrorista secreto SPECTRE. 

En la primavera de 2019, Bautista regresó al cuadrilátero como estrella del evento WrestleMania de la WWE en Nueva Jersey para retirarse oficialmente de la lucha profesional. Ganó seis veces el campeonato del mundo y fue vocero internacional de la organización.

Entre los créditos cinematográficos anteriores de Bautista destacan “Blade Runner 2049”, “Escape Plan 2 &3”, “Bushwick”, “Warrior Gate” de Luc Besson, “Riddick” y “The Man with the Iron Fists”. En televisión, apareció en “Chuck”, “Headcase” y “Smallville”.

STEPHEN MCKINLEY HENDERSON (Thufir Hawat) recibió el premio Virtuoso en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara por su trabajo en “Fences”, filme de Denzel Washington nominado al Oscar y basado en la obra de August Wilson. También trabajó en otras cuatro películas nominadas al premio de la Academia: “Lady Bird” de Greta Gerwig; “Lincoln” de Steven Spielberg; “Manchester by the Sea” de Kenneth Lonergan; y “Extremely Loud and Incredibly Close” de Stephen Daldry. 

Entre sus roles destacados en televisión están la serie “Devs” de FX y Hulu; “Wu-Tang: An American Saga”; “Fear of The Walking Dead” de AMC; “The Newsroom” de HBO; y “Everyday People” de HBO Films. Ha participado en seis espectáculos de Broadway, incluidos dos que ganaron el Tony al Mejor Montaje Nuevo: “A Raisin in the Sun” y “Fences”. Por su interpretación en este último proyecto, lo nominaron al Tony en la categoría de Actor Destacado. Henderson ha recibido los premios Obie y Lucille Lortel por su trabajo en el drama ganador del Pulitzer “Between Riverside and Crazy” de Stephen Adley Guirgis.

ZENDAYA (Chani) empezó su carrera de actriz en “Shake It Up”, exitosa serie de Disney Channel que duró tres temporadas, y “K.C. Undercover”, la cual duró otras tres temporadas y en la que colaboró también como productora. 

Zendaya llegó a la gran pantalla en 2017, al interpretar a MJ en la nueva trilogía de Spider-Man, junto a Tom Holland. El último filme de la saga “Spider-Man: No Way Home” se estrenará en diciembre de 2021. Entre sus otros créditos destacan “The Greatest Showman” y los filmes de animación “Smallfoot” y “Space Jam: A New Legacy”.

Hace poco, Zendaya estelarizó “Euphoria” de HBO y A24. Por interpretar a Rue en esta serie, ganó un Emmy y se convirtió en la mujer más joven en recibir dicho premio en la categoría de Mejor Actriz en una Serie Dramática. Zendaya también es protagonista de “Malcolm and Marie” de Netflix, filme que ella ayudó a crear y producir a inicios de la pandemia. Zendaya aparecerá en la temporada dos de “Euphoria”, la cual se está produciendo en este momento. 

Más allá de la actuación, Zendaya se ha consolidado como una autoridad en la moda. Ha engalanado las portadas de Vogue, Marie Claire, CR Fashion Book, Essence y la revista InStyle, además de que suele estar entre las favoritas en la alfombra roja. Zendaya lanzó su primera colaboración con Tommy Hilfiger, bautizada como TommyXZendaya, en la primavera de 2019 y es el rostro de Lancôme. 

CHANG CHEN (doctor Wellington Yueh) en uno de los artistas asiáticos más famosos y ha forjado una carrera impresionante al trabajar con los grandes directores de su generación.

Chen debutó en el cine con “A Brighter Summer Day” del fallecido Edward Yang. Alcanzó la fama en “Crouching Tiger, Hidden Dragon” de Ang Lee en el 2000. Sus créditos cinematográficos incluyen “Happy Together” (1997) de Wong Kar-Wai, “2046” (2004), “The Grandmaster” (2013), “Three Times” (2005) de Hou Hsiao-Hsien y “The Go Master” (2006) de Tian Zhuang-Zhuang, filme por el cual ganó el premio al Mejor Actor en el tercer Festival de Cine Asiático de Osaka. También trabajó con John Woo en la épica película de guerra “Red Cliff” (2008-2009), y en “The Last Supper”, dirigida por Lu Chuan (2012). En 2015, Chen volvió a colaborar con Hou Hsiao-Hsien en “The Assassin”, cinta que ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes. En 2017, lo nominaron por su trabajo en “Mr. Long”, dirigida por SABU, en la edición 67 del Festival Internacional de Cine de Berlín. En 2018, fue el único asiático que estuvo en el jurado de la edición 71 del Festival de Cine de Cannes.

DAVID DASTMALCHIAN (Piter de Vries) da vida a personajes complejos en el cine y la televisión, al contar historias crudas y desgarradoras sobre individuos imperfectos de todos los sectores sociales. Este actor, escritor, productor y cineasta premiado se ha convertido en uno de los talentos más solicitados en la industria del entretenimiento.

Interpretó al Hombre de Lunares en “The Suicide Squad”, épica aventura de superhéroes dirigida por James Gunn que cuenta con un elenco lleno de estrellas. Dastmalchian protagonizará el thriller de terror “Last Voyage of the Demeter”, al lado de Corey Hawkins, Liam Cunningham y Aisling Franciosi, el cual se encuentra en la etapa de producción.

Christopher Nolan descubrió al originario de Kansas hace casi una década, y Dastmalchian pudo debutar en la pantalla grande en el largometraje icónico y premiado “The Dark Knight”, el cual catapultó su carrera del teatro al cine y a la televisión. Desde entonces, directores aclamados por la crítica como David Lynch, Denis Villeneuve, James Gunn, Michel Franco (dos veces ganador en Cannes), Sam Taylor Johnson y Susanne Bier, han elegido personalmente a Dastmalchian para roles dinámicos. 

Sus créditos anteriores incluyen: “A Million Little Pieces”, adaptación al cine dirigida por Sam Taylor-Johnson; “Prisoners”, largometraje nominado al premio de la Academia; “Ant-Man” y “Ant-Man and the Wasp”; “Birdbox”, película de Netflix en la que colabora con Sandra Bullock; “The Domestics”; “Blade Runner 2049”, al lado de Ryan Gosling y Robin Wright; “The Belko Experiment”, thriller de terror independiente en el que participan Michael Rooker y John C. McGinley; y “Relaxer”, película escrita y dirigida por Joel Potrykus que debutó en el Festival del Cine SXSW de 2018. 

Hace poco, Dastmalchian compartió la pantalla chica con Abigail Spencer, Mena Massoud y Rodrigo Santoro en “Reprisal”, serie de HULU producida por Warren Littlefield y A+E Studios. También apareció en la nueva versión de “Twin Peaks” (Showtime)”, MacGyver” (CBS), “Gotham” (FOX) y “The Flash” (The CW).

Como cineasta prolífico en ciernes, Dastmalchian escribió y estelarizó “All Creatures Here Below”, junto con Karen Gillian, la cual se estrenó en cines en mayo de 2019. Dastmalchian debutó como guionista con “Animals” en 2014, película que arrasó en el Festival de Cine SXSW y obtuvo el Premio Especial del Jurado por su narrativa valiente, además de recibir críticas estupendas. Dastmalchian, quien protagonizó, escribió y produjo la cinta, recibió elogios de medios nacionales importantes como las publicaciones Time, Slant, The Hollywood Reporter y Variety. También ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de Cine Independiente de Nueva York por su trabajo en dicha cinta.

Entre otros reconocimientos que Dastmalchian ha recibido por “Animals” destacan: Mejor Actor y Mejor Película en el Midwest Independent Film Festival, el Premio del Público que otorga la Chicago Film Critics Association, y el Programmers Choice en el Festival de Cine de Virginia. 

Aunque Dastmalchian se mantiene muy ocupado trabajando en el cine y la televisión, hace poco colaboró con Dark Horse Comics para hacer realidad su sueño de la infancia de crear una serie de cómics, gracias al lanzamiento de Count Crowley: Reluctant Midnight Monster Hunter. Escrito por Dastmalchian e ilustrado por Lukas Ketner, el cómic gira en torno a Jerri Bartman, una reportera de televisión que vuelve a su pequeño pueblo en el Medio Oeste a trabajar en el canal local. Degradada al puesto de conductora de un programa nocturno, la humillación profesional de Jerri se ve eclipsada por el descubrimiento de que su nuevo empleo conlleva un deber sobrenatural secreto. Su predecesor, el desaparecido Count Crowley, era uno de los últimos cazadores de monstruos. Los monstruos son reales y están decididos a controlar las noticias y la información que consumen los humanos. Todos los números de Count Crowley están disponibles en línea y en tiendas de cómics estadounidenses. Hace poco se anunció que Count Crowley regresará con nuevas historias en los próximos meses (todavía no hay fecha de lanzamiento).

En cuanto a la filantropía, Dastmalchian a menudo trabaja como voluntario en Born to Act, una compañía de teatro que tiene 20 años y está compuesta por adultos con alguna discapacidad a quienes les apasiona la actuación. Está muy involucrado con The Big Slick, evento de caridad para el Hospital Children’s Mercy de Kansas City, que cuenta con Paul Rudd, Jason Sudeikis, Eric Stonestreet, David Koechner y Rob Riggle como anfitriones. También apoya al Teatro de Marionetas de Bob Baker en Los Ángeles.

Dastmalchian vive en Los Ángeles con su esposa, la muralista Evelyn Leigh, y sus dos hijos.

SHARON DUNCAN-BREWSTER (doctora Liet Kynes) es conocida por su papel protagónico en “Rogue One: A Star Wars Story”, cinta en la que encarna a la primera humana negra con diálogos dentro del universo cinematográfico de “Star Wars”. También apareció en la pantalla grande en “The Intent 2: The Come Up” y en “Three & Out”. 

En televisión, Duncan-Brewster ha ganado fama por interpretar a Lisa Smith en “Top Boy: Summerhouse”, drama policíaco de Netflix (a Drake le gustó tanto la serie que la revivió y produjo más temporadas); y por su papel recurrente de Roz Marchetti en “Sex Education”, también de Netflix. Otros créditos notables en televisión incluyen: “Years & Years” (BBC), “The Long Song” (BBC), “Top Boy” (Channel 4), “The Bible” (History Channel), “Cucumber” (Channel 4), “The Mimic” (Channel 4), “Bad Girls” (ITV), “Doctor Who” (BBC), así como “Eastenders” (BBC). 

Entre su extensa lista de créditos en teatro destacan “Victory Condition” (Royal Court Theater), “Meet Me at Dawn” (Traverse Theater), “The Almighty Sometimes” (Manchester Royal Exchange), “Swallow” (Traverse Theater), “A Midsummer Night’s Dream” (Liverpool Everyman), “The Not Black” y “White Season” (Tricycle Theater).

Más adelante, Duncan-Brewster protagonizará la superproducción ambientalista “The Swarm”, basada en la exitosa novela homónima de Frank Schätzing.  “The Swarm” cuenta con Frank Doelger como productor ejecutivo (productor de “Game of Thrones”) y retrata la lucha de la humanidad contra una inteligencia desconocida que pulula en las profundidades del mar.

CHARLOTTE RAMPLING (reverenda Madre Mohiam), es una actriz nominada al Oscar con una carrera que se extiende más de 50 años. Además de ser miembro de la Orden el Imperio Británico, su larga lista de créditos cinematográficos incluye “The Night Porter”, “Stardust Memories”, “The Verdict”, “Swimming Pool”, “Angel”, “Night Train to Lisbon”, “Never Let Me Go”, “45 Years”, “Assassin’s Creed” y “Red Sparrow”.

Rampling obtuvo la nominación al premio de la Academia por “45 Years”, papel que la hizo merecedora a varios premios a la Mejor Actriz en festivales de cine de todo el mundo. También apareció en las series “Dexter” y “Broadchurch”. En 2019, recibió el premio Honorary Golden Bear en el Festival de Cine de Berlín por su trayectoria.

JASON MOMOA (Duncan Idaho) es una de las estrellas de Hollywood más ocupadas y que generan más entusiasmo. Hace poco terminó “Slumberland”, filme de fantasía y aventuras de Netflix en el cual interpreta a un forajido excéntrico que ayuda a una joven decidida a navegar por sueños y huir de las pesadillas, con la esperanza de que se le conceda un deseo: ver de nuevo a su padre fallecido.

Momoa también es el narrador de un proyecto muy personal llamado “Waterman”, un documental que narra la vida de la leyenda del surf e ícono hawaiano Duke Kahanamoku. Momoa volverá a la exitosa serie “See” de Apple TV+, ubicada 600 años en el futuro y en la cual interpreta al personaje principal Baba Voss, líder guerrero que debe desarrollar nuevas formas de sobrevivir después de que la humanidad ha perdido la vista. Este verano, Momoa volverá al papel de Arthur Curry en “Aquaman and the Lost Kingdom” de DC, secuela del éxito taquillero de 2018 que recaudó más de 1100 millones de dólares en todo el mundo y consolidó a Momoa como actor principal.

En 2021, el público también podrá ver a Momoa en “Sweet Girl”, cinta de Netflix dirigida por Brian Andrew Mendoza, con quien frecuentemente colabora. El filme estelarizado y producido por Momoa se centra en un padre que se esfuerza por ser una buena persona en un mundo terrible, al tiempo que intenta llevar ante la justicia a las personas responsables de la muerte de su esposa y proteger a la única familia que le queda: su hija adolescente.

En el pasado, Momoa participó en la serie ganadora del Emmy “Game of Thrones” de HBO, en la que interpretó Khal Drogo, un jefe militar dothraki. Coescribió, dirigió y protagonizó “Road to Palmona”. También ha dirigido comerciales para Carhartt y una serie de seis partes que se centra en motociclistas de todo Estados Unidos fieles a la marca Harley-Davidson, como parte de la campaña United We Will Ride.

JAVIER BARDEM (Stilgar) es uno de los actores españoles más aclamados en todo el mundo que, además de ganar el premio de la Academia, ha cautivado al público internacional con sus diversas interpretaciones. En 2018, Bardem protagonizó al lado de su esposa, Penelope Cruz, la película “Everybody Knows” de Asghar Farhadi, la cual inauguró el Festival de Cine de Cannes en 2018. El thriller psicológico gira en torno a una pareja de Madrid que enfrenta una serie de sucesos inesperados y saca a la luz varios secretos. También en 2018, Bardem y Cruz protagonizaron la película biográfica “Loving Pablo”, dirigida por Fernando Leon de Aranoa, la cual narra la verdadera historia de un dramático amorío entre el capo de la droga Pablo Escobar y la periodista colombiana Virginia Vallejo. 

En 2019, Bardem realizó la miniserie de cuatro partes “Cortes” de Amazon, dirigida por Steven Spielberg. Poco antes, Bardem protagonizó “Mother!” de Darren Aronofsky, al lado de Jennifer Lawrence, y “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”, quinta entrega de la exitosa saga “Pirates of the Caribbean”.

En 2012, Bardem conquistó al público en una de las entregas más publicitadas de la franquicia de James Bond, “Skyfall”, al interpretar al villano Raoul Silva y compartir la pantalla con Daniel Craig, la dama Judi Dench, Naomie Harris y Berenice Marlohe. La crítica lo ha elogiado en varias ocasiones por el papel y, además, obtuvo nominaciones en la categoría de Mejor Actor de Reparto en los Premios Critics Choice y Screen Actors Guild (SAG).

Ese mismo año, Bardem coprodujo y estelarizó “Sons of the Clouds: The Last Colony”, un filme que documenta cómo la colonización de Sahara Occidental ha dejado a casi 200 000 personas viviendo en campos de refugiados. En octubre de 2011, Bardem y Álvaro Longoria, coproductor y director del filme, se dirigieron al comité de descolonización de la Asamblea General de Naciones Unidas para instar a los delegados a ponerle fin a la violación de los derechos humanos en la región. El filme se estrenó en la edición 62 del Festival Internacional de cine de Berlín, Canal Plus de España lo adquirió y GoDigital tiene programado su lanzamiento a través de iTunes en Estados Unidos.

Bardem ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Cannes de 2010 por su trabajo en “Biutiful” de Alejandro González Iñárritu, papel que también le valió su tercera nominación al premio de la Academia.

En 2008, Bardem recibió el premio de la Academia a Mejor Actor de Reparto por su interpretación escalofriante del homicida sociópata Anton Chigurh, en “No Country for Old Men” de los hermanos Ethan Coen. Por su trabajo obtuvo un Golden Globe, un premio Screen Actors Guild, y un BAFTA, así como muchos otros reconocimientos y nominaciones de la crítica.

Bardem ganó el premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia de 2004 por su trabajo en el filme de Alejandro Amenabar, “The Sea Inside”, lo que lo convierte en el segundo actor que ha recibido dos veces dicho galardón. También ganó el Goya y obtuvo una nominación al Golden Globe por este papel. Bardem ha ganado el Goya (equivalente al Oscar en España) cinco veces y ha recibido un total de ocho nominaciones. 

En el año 2000, Bardem recibió su primera nominación al premio de la Academia por su interpretación del poeta y disidente cubano Reinaldo Arenas, en “Before Night Falls” de Julian Schnabel. La National Society of Film Critics y el National Board of Review lo reconocieron con el título de Mejor Actor, también ganó un premio en la misma categoría en el Festival de Cine de Venecia y en los premios Independent Spirit, además de recibir una nominación al Golden Globe por dicho papel. 

Sus otros créditos cinematográficos destacados son “The Counselor” de Ridley Scott, “To the Wonder” de Terrence Malick; “Eat, Pray, Love”, al lado de Julia Roberts; “Vicky Cristina Barcelona” de Woody Allen, cinta por la cual también lo nominaron al Golden Globe y al premio Independent Spirit; “The Dancer Upstairs”, filme con el que John Malkovich debutó como director; “Mondays in the Sun”, cinta de Fernando Leon de Aranoa que fue coronada como Mejor Película en el Festival de Cine de San Sebastián; “Collateral” de Michael Mann; “Love in the Time of Cholera” de Mike Newell; y “Goya’s Ghosts” de Milos Forman, al lado de Natalie Portman.